Vicente Van Gogh retrato reproducción alta qualidad Giclée

Este producto es impresión en alta definición de 12 colores de Giclée. Una reproducción con calidad de museo de una obra de arte.Autorretrato con orejas cortadas Vincent van Gogh 1889

Al mismo tiempo que Canción de cuna, Van Gogh pintó otros dos autorretratos, ambos con vendas en la oreja derecha, una pipa en la boca, un sombrero de piel, un abrigo y la misma pose. Uno es de color rojo (el actual) y el otro de color verde pálido, con un estampado japonés de fondo. De las cartas de esta época se desprende que su salud se recupera día a día, pero aún no se descarta que se disculpe con Gauguin, y también indica a Theo que en el futuro pintará según su estado real y no se dejará llevar por una ansiedad excesiva. Se puede decir que este autorretrato es la expresión de un pensamiento claro al mirar el futuro a través de sus propios ojos.
Tras el incidente de la oreja cortada, Van Gogh pintó varios autorretratos con la herida envuelta. Los colores naranja, rojo y verde de este cuadro crean un efecto cromático muy vivo. Van Gogh, con su pipa en la boca, parece algo aturdido. Los rizos de humo blanco tienen un efecto mitigador de la opresión del cuadro debido a la intensidad de los colores.
Es notable que Van Gogh se resista a la imagen del pintor que sufre, lo que no es difícil de entender dado su historial médico. Este autorretrato fue creado poco después de que Van Gogh se cortara la oreja izquierda, y a pesar de la gravedad y la prominencia de la lesión, no hay señales del pintor que sufre en este autorretrato. seis meses antes, Van Gogh se había retratado como un sacerdote o un monje, mientras que en esta obra vuelve a una identidad más realista. Vestido con una blusa de obrero y un sombrero de cuero, no muestra signos de locura o angustia, y aunque está sufriendo física y mentalmente, parece despreocupado y fuma su pipa con aplomo. Sin embargo, la escena rebosa de tensión. Los mechones de pelo verde oscuro de su sombrero destacan sobre el fondo naranja, como si simbolizaran la abundancia de energía. El fondo se divide en dos colores, naranja y rojo vivo, en el eje de los dos ojos cercanos, dividiendo así la escena y el objeto en dos partes. Por debajo de este eje, el fondo rojo brillante, la parte superior verde y los vendajes de las heridas parecen muy duros juntos. El efecto es crear una contradicción única, una contradicción visual que el autor pretendía emplear, mostrando a un hombre contemplativo y herido que se envuelve fuertemente en una gorra y ropa de cuero para protegerse de la fiebre.
Aunque el autorretrato parece ser totalmente biográfico, no sólo representa el “trauma” del hombre del cuadro, sino también un debate “muy acalorado” entre los dos pintores, es decir, entre Van Gogh y Gauguin, sobre el estatus del pintor, el método de pintura y el estilo del simbolismo. La cuestión se aclara cuando se compara con un “autorretrato” simbolista de Gauguin de 1889. En el autorretrato de Gauguin no sólo hay planos abstractos de colores y líneas curvas y enroscadas, sino también ornamentos simbólicos familiares -manzanas, lirios, una víbora, un halo- que sitúan al pintor como un sentimental, con el pelo negro en forma de capucha y un halo que cuelga sobre su cabeza, simbolizando que la figura flota entre entre el bien y el mal. La obra de Gauguin es a la vez radical y tradicional en su estilo. Si la impresión a primera vista proviene de la composición decorativa del cuadro, al final se puede reconocer el simbolismo. En este autorretrato, sin embargo, Van Gogh combina el color y la composición simbólicos con el retrato naturalista, practicando una síntesis de nuevas exploraciones del estilo tradicional. Sin embargo, la vivacidad de esta obra no es tanto el resultado de medios de expresión simbólicos, como el bien y el mal, sino más bien los colores cálidos y la composición tensa que subrayan el comportamiento indiferente y tranquilo del hombre herido.