La description

peinture l'arrière-plan

En même temps que Lullaby, Van Gogh peint deux autres autoportraits, tous deux avec des bandages sur l'oreille droite, une pipe dans la bouche, un chapeau de fourrure, un manteau et la même pose. L'un est rouge (l'actuel) et l'autre vert pâle, avec un imprimé japonais en arrière-plan. D'après les lettres de cette époque, il est clair que sa santé se rétablit de jour en jour, mais il n'est toujours pas exclu qu'il s'excuse auprès de Gauguin, et indique également à Théo qu'à l'avenir, il peindra selon son état réel et sera ne pas se laisser emporter par l'anxiété excessive. On peut dire que cet autoportrait est l'expression d'une pensée claire lorsqu'il regarde l'avenir à travers ses propres yeux.
Suite à l'incident de l'oreille coupée, Van Gogh a peint plusieurs autoportraits avec la plaie enveloppée. Les couleurs orange, rouge et vert de cette peinture créent un effet de couleur très vif. Van Gogh, la pipe à la bouche, a l'air un peu hébété. Les boucles fumées blanches ont un effet apaisant sur l'oppression de la peinture en raison de l'intensité des couleurs.
Il est à noter que Van Gogh résiste à l'image du peintre souffrant, ce qui n'est pas difficile à comprendre compte tenu de ses antécédents médicaux. Cet autoportrait a été créé peu de temps après que Van Gogh se soit coupé l'oreille gauche, et malgré la gravité et l'importance de la blessure, il n'y a aucun signe du peintre souffrant dans cet autoportrait. six mois plus tôt, Van Gogh s'était dépeint comme un prêtre ou un moine, tandis que dans cette œuvre il revient à une identité plus réaliste. Vêtu d'une blouse d'ouvrier et d'un chapeau de cuir, il ne montre aucun signe de folie ou d'angoisse, et bien qu'il souffre physiquement et mentalement, il apparaît insouciant et fume sa pipe avec aplomb. Cependant, la scène déborde de tension. Les mèches de cheveux vert foncé de son chapeau se détachent sur le fond orange, comme si elles symbolisaient une énergie abondante. Le fond est divisé en deux couleurs, orange et rouge vif, dans l'axe des deux yeux voisins, divisant ainsi la scène et l'objet en deux parties. Sous cet axe, le bas rouge vif, le haut vert et les pansements paraissent très durs ensemble. L'effet est de créer une contradiction unique, une contradiction visuelle que l'auteur entendait utiliser, montrant un homme blessé et contemplatif s'enveloppant étroitement dans une casquette et des vêtements en cuir pour conjurer la fièvre.
Bien que l'autoportrait semble entièrement biographique, il représente non seulement le "traumatisme" de l'homme du tableau, mais aussi un débat "très houleux" entre les deux peintres, c'est-à-dire entre Van Gogh et Gauguin, à propos de la statut du peintre, la méthode de peinture et le style du symbolisme. Le point devient plus clair lorsqu'on le compare à un "autoportrait" symboliste de Gauguin de 1889. Dans l'autoportrait de Gauguin, il n'y a pas seulement des plans abstraits de couleur et des lignes courbes et sinueuses, mais aussi des ornements symboliques familiers - des pommes, des lys, une vipère, un halo- qui situe le peintre comme sentimental, avec des cheveux noirs en forme de capuchon et un halo suspendu au-dessus de sa tête, symbolisant que la figure flotte entre le bien et le mal. L'œuvre de Gauguin est à la fois radicale et traditionnelle dans son style. Si l'impression au premier abord vient de la composition décorative du tableau, à la fin le symbolisme peut être reconnu. Dans cet autoportrait, cependant, Van Gogh combine la couleur et la composition symboliques avec le portrait naturaliste, pratiquant une synthèse de nouvelles explorations du style traditionnel. Cependant, la vivacité de cette œuvre n'est pas tant le résultat de moyens d'expression symboliques, tels que le bien et le mal, mais plutôt les couleurs chaudes et la composition tendue qui soulignent le comportement indifférent et calme de l'homme blessé.
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Quelques points à votre attention

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