l'étui de la grande guerre René Magritte

La description

En 1929, après une brève revue du futurisme et du cubisme, Magritte rejoint les surréalistes. Il a vécu à Paris pendant cinq ans et est devenu un bon ami de Paul Eluard. Alors que la plupart des peintres surréalistes se réfèrent au "purement intérieur" typique d'André Breton, utilisant l'autonomie, se livrant à des activités paranoïaques et explorant les rêves, Magritte se préoccupe du monde qui l'entoure. Il veut nous faire voir son existence à travers une expression réaliste mais poétique. Il a utilisé la peinture non seulement comme méthode de libération, mais aussi comme outil de connaissance. De 1925 à 1936, il a essayé d'innover à travers les conflits de plusieurs objets différents, et il a été incroyable pour changer ce que nous savons déjà. Il a également utilisé des techniques d'échange et de confrontation pour nous faire voir clairement des choses aussi étranges, comme une pierre en feu, un ciel de bois fissuré est apparu, et la cloche du cheval s'est transformée en une fleur dangereuse... Il y a plus de dix ans, à Para créant un atmosphère étrange et mystérieuse, Chirico a autrefois réuni ces éléments sans rapport de manière inattendue. La franchise, la précision et la volonté "d'anti-peinture" de Magritte font parfois penser à Chirico. De 1936 à 1940, Magritte élargit le champ de ses recherches et ne peint plus ensemble des objets sans rapport. Au contraire, il considère le rapport que peut avoir un objet isolé avec lui-même, c'est-à-dire partir de l'inclusion et se découvrir dans l'inclusion. Par exemple, la relation entre les arbres et les feuilles, la relation entre le paysage et les images, et la relation entre les chaussures. et pieds., La relation entre le ciel et l'oiseau. Ce problème interne, résolu des milliers de fois avec une imagination délirante, a fait de Magritte un inventeur d'images hors pair. Chacune de ses images exquises est une nouvelle découverte de l'intégration des connaissances et des sentiments. De plus, sa couleur brille aussi étonnamment

Renée Magritte est brillante. Ils vont du marron au vert et du gris au bleu. Ce changement l'amène à mener d'autres investigations dans des domaines où la couleur joue un rôle majeur. Il ne faut pas s'étonner de la période impressionniste controversée de Magritte qui débute lorsque la guerre éclate, car pour lui la peinture n'est qu'un moyen d'approfondir sa compréhension du monde. Tout type de technique, même l'ancienne, est utile tant qu'elle permet de revoir l'objet sous l'angle que le peintre nous a délibérément donné. Au contraire, si vous ne regardez que les couleurs sans découvrir l'objet lui-même, cela devrait être assez regrettable, car le changement de l'image extérieure du tableau s'accompagne d'un manque de contenu. En 1946, Magritte, étonnamment à l'aise, le ramène pour les cent quatre-vingts derniers degrés à ses anciennes habitudes, ses caprices et ses idées certes moins et il vacille encore plus. Pourtant, dans « Cheerazade », le visage de femme peint de perles est vraiment une invention unique et indescriptible. Il existe deux variantes de ses célèbres tableaux : « Madame Récamier » de Gérard et « Le Balcon » de Manet. Il a remplacé les personnages par des cercueils dans ses peintures. Il utilise la même méthode pour transformer des tableaux célèbres et recréer des objets, qui est de nous apprendre à observer, Magritte est vraiment une grande hallucination.

Le chemin que Magritte a choisi était solitaire, rationnel et plein de sagesse. Il a donc lancé un combat de longue haleine dans le monde de l'art et estime qu'un artiste peut sacrifier une partie de sa liberté et de son indépendance pour une carrière centrée sur des ambitions personnelles. Magritte décrit le monde qu'il voit un par un dans des conditions d'espace infini et de tranquillité absolue. Il utilise souvent {impact} dans ses créations pour forcer les gens à voir des choses qui sont généralement communes, qui changent avec le niveau. Changements de taille, changements de chevauchement, ce sont toutes ses intentions pour inspirer des émotions humaines, sensibiliser aux crises de l'humanité et émerveillez les gens et admirez votre création continue d'œuvres percutantes.

La peinture surréaliste la plus représentative de Magritte est une peinture à la pipe avec "Ce que vous voyez n'est pas une pipe". Créé en 1929, il s'intitule « La trahison des images ». Cette peinture est souvent utilisée pour expliquer des vues surréalistes et est utilisée dans les livres et l'enseignement. De plus, des chercheurs ultérieurs ont cru que le suicide de la mère de Magritte par noyade dans l'eau avait eu un impact majeur sur sa psychologie. Cela peut être vu dans plusieurs de ses peintures de corps féminins brisés.

Les œuvres de Renée Magritte n'ont pas besoin d'être un sommeil profond pour rêver. En plein jour, les rêves viendront aussi. Comme l'a découvert le peintre belge René Magritte (1989-1967), une expérience mal placée peut aussi faire rêver. Magritte avait été impliqué dans le design publicitaire et la conception de papiers peints avant d'entrer en contact avec les peintures de Chirico et Ernst, acquérant ainsi les compétences maladroites d'un peintre apparemment publicitaire. C'est précisément avec ces techniques qu'il a fait des découvertes étonnantes. Magritte a également vécu près de Paris pendant trois ans (1927-1930). À l'époque, Breton louait sa capacité à "expérimenter des phénomènes visuels... montrant l'asservissement du langage et de l'image à la pensée". L'apport de Magritte est non seulement de placer l'importance du langage et de la pensée sous l'image visuelle, mais aussi de briser la convention de causalité logique en établissant une nouvelle relation d'équivalence entre les mots et les symboles.

Au début, certaines des techniques de Magritte, telles que les marbres saignants, n'étaient pas différentes des sculptures sensationnelles de l'image romantique, mais ces méthodes ont été rapidement améliorées. En 1929, il publie ses vues dans le dernier numéro de "La Révolution de justice surréaliste" édité par Breton. Vous croyez qu'il n'y a pas de lien indispensable ou non transférable entre l'objet, l'image de l'objet et le nom de l'objet. Le mot "feuille" peut aussi être complètement représenté par l'image d'un canon. De cette façon, Magritte a libéré son esprit de la référence de la familiarité et des habitudes quotidiennes, a suivi les préceptes du surréalisme, a exploré ses secrets cachés de la juxtaposition inattendue de la vie quotidienne et l'a révélé des scènes les plus ennuyeuses.Une horreur et une joie profondes. Dans "Le monde de la lumière" (1954), une petite maison à la périphérie de la rue est entourée d'ombres et éclairée par des lampadaires au milieu de la nuit. Tout semblait s'endormir paisiblement, seul le ciel au-dessus était inondé de lumière comme à midi. Puisque les gens ne peuvent pas expliquer cela, vous devez laisser ce mystère persister. Dans "The Listening Room", le mystère visuel empêche les gens de trouver une solution logique. La pomme est-elle trop grosse et la maison trop petite, ou la maison est-elle trop petite et la pomme trop grosse ? Peu importe que la réponse soit correcte ou non, les gens n'ont aucun moyen de le savoir. Le sentiment de claustrophobie est très fort ici.

Les œuvres de René Magritte par des peintres tels que Ernst, Dali et Magritte, le Belge Paul Delvaux (Paul Delvaux né en 1897) et le Roumain Victor Brauner (Victor Brauner 1903-1966) ont toujours été "les maîtres de la 'peinture des rêves'". Par l'intensité de l'interprétation et la complexité de l'expression, ils ont à la fois la « méthode de critique paranoïaque » de Dali et la méthode de dislocation calme de Magritte. Pour eux, la maison abandonnée dans les peintures abstraites de Mondrian, comme le dit Joan Miró (né en 1893), n'a aucun attrait.